Es un hecho que los trastornos del espectro autista tienen cada vez más presencia en el mundo de la ficción audiovisual. El autismo, en su variante Asperger, ha ganado visibilidad, y eso es de agradecer en una industria que, dentro de los circuitos minoritarios, siempre se ha caracterizado por ser inclusiva con las minorías.

Un ejemplo de estos vientos nuevos que sacuden el panorama audiovisual cada cierto tiempo es “EZRA”, o como se ha titulado en España, “Una Función Inesperada”. Esta película nos cuenta la historia de un hombre divorciado (Bobby Cannavale) que intenta ganarse la vida como monologuista, y que tiene un hijo con síndrome de Asperger. 

Inicialmente, la relación entre él y EZRA (su hijo) será más difícil, pero, a lo largo de la película, van descubriéndose el uno al otro. Sin embargo, en esta tarea de cuidado de su hijo cuenta con la inestimable ayuda de su propio padre, interpretado por Robert de Niro. 

Si bien a veces tiene un ritmo narrativo un tanto lento, hay que reconocer que la capacidad interpretativa de todos los actores es admirable. Tony Goldwyn quien, además de aparecer en esta película como nuevo novio de la ex mujer del protagonista, dirige la misma) ha hecho la película que ha querido hacer, y ha logrado convencer. 

Esta película aboga, desde su concepción, por la plena inclusión de las minorías. Esto lo prueba el hecho de que tanto Ezra como el actor que lo interpreta están en el espectro del autismo. De hecho, esta fue una de las razones por las que William interpretó al protagonista de este filme. En palabras de Tony Goldwyn (director de la película) “El hecho de que William nunca hubiera actuado antes no nos preocupó porque era tan correcto, tenía tanto carisma y, sobre todo, entendía realmente lo que estábamos haciendo. Descubrí que la mejor manera de dirigirle era, sobre todo, no interponerse en su camino y dejarle que se las arreglara solo”. Por su parte, el guionista de este filme es también padre de un niño en el espectro del autismo, lo cual, teniendo en cuenta el resultado, ha sido beneficioso. En sus propias palabras  “El problema no era de mi hijo en absoluto. Era mío. Pasó mucho tiempo para que esa bombilla se encendiera en mi cabeza, que como padre no se suponía que debía encontrar una solución a esto, que mi hijo simplemente estaba hecho de manera diferente y de una manera maravillosa. Y eso lo cambió todo. Quería compartir esa historia y hacer que la audiencia viajara con Max hasta que se da cuenta de que probablemente nunca dejará de preocuparse por Ezra, pero Ezra va a estar bien, Ezra lo va a sorprender de maneras que nunca imaginó, y encontrarán su camino juntos".   se estrenará el 23 de Mayo en cines, y promete ser toda una revelación cinematográfica. 

Ficha Técnica:

Director: Tony Goldwyn

Guión: Tony Spiridakis

Música: Carlos Rafael Rivera

Director de fotografía: Daniel Moder

Ficha Artística:

Bobby Canavale: Max

William Fitzgerald: Ezra

Rose Byrne: Jenna

Stan: Robert de Niro

Vera Farmiga: Grace

Whoopi Goldberg: Jayne

Tony Goldwyn: Bruce

Distribuye: Vértigo

LA FURIA

 Como siempre, Filmax no duda en presentarnos novedades en su portafolio fílmico. Ha vuelto a hacerlo, y lo ha hecho con un drama dirigido por Gemma Blasco, titulado La Furia. 

Sinopsis

Todo comienza cuando Alex (Olga Cervantes), de profesión actriz, es violada durante una fiesta. En un principio intenta disimular la tragedia que le ha ocurrido, pero termina por contárselo a su hermano, Adrián (Alex Monner), quien reacciona presionando a su hermana y mostrando incomprensión, tomando el camino del rencor. 

La película transita por momentos verdaderamente emotivos en los que se muestra a los personajes como seres imperfectos que intentan asumir lo que ha pasado. Parece como si el personaje de Alex quisiera seguir adelante y dejar atrás el sufrimiento, pero, al mismo tiempo le cuesta muchísimo más digerir esta realidad, dado el amor que profesa por su hermana. 

SaBer y Ocio hemos tenido el placer de conversar con Gemma Blasco (directora) y con los protagonistas, Olga Cervantes y Álex Monner. 

Álex Monner y Ángela Cervantes

Bueno, esta es para Angela, la primera. Tu personaje encuentra en el teatro el modo de canalizar su ira. ¿Crees que ella ha hallado en el teatro el modo de superar eso, de superar la abominación que padeció, si es que algo así se puede superar?

Ángela Cervantes: Si es que algo así se puede superar. Reflexión: no sé es si es que algo así se puede superar, o sea que si es así sí que hay herramientas que te pueden ayudar mucho, que es, como dices, un espacio en el que te permites ser otra persona también, y te permites cosas que en tu vida no te permitirías. Entonces, tu cuerpo, simplemente se libera de esa energía, de esa rabia, de esa ira, de ese asco incluso, y ya lo estás soltando de alguna manera, ya lo estás canalizando para aligerar de alguna manera tu cuerpo. Entonces, creo que en este caso para Alexandra es realmente una herramienta profundamente poderosa, y creo que en la vida, por ejemplo (incluso en esta película puede ser también) incluso para mí o para Gemma o para cualquiera, es una manera de expresión en la que puedes canalizar muchas cosas. Entonces, yo sí que creo que el arte es transformador, y no solo en el mismo acto, sino después también cuando se ve y cuando se muestra al público.

Alex, en esta película interpretas a Adrián, un chico que cuestiona a su hermana, quien ha sufrido una terrible tragedia, como ya hemos dicho. ¿Cuáles son, a tu juicio, los puntos negativos y positivos de Adrián?

Álex Monner: Los puntos negativos, uno de ellos, claramente, es que él es egoísta, en el sentido que se pone en el centro del problema y es mucho más importante lo que él piensa sobre lo que le ha pasado a su hermana que lo que realmente le ha pasado a su hermana. O eso parece en muchos momentos. Esto es claramente uno de sus aspectos negativos. O, digamos, no sé si es claramente su culpa, pero evidentemente el hecho de no ser consciente de que no tiene las herramientas suficientes como para acompañar a su hermana de la forma que necesita. ¿Puntos a favor? yo creo que él es un tío divertido. Creo que él es un tío que en el fondo quiere a su hermana por encima de todo, ¿sabes? y que toda esa maldad que le nace todo esto, todo este oscurecimiento que va teniendo durante el transcurso de la peli es por culpa de o gracias a un gran amor que tiene por su hermana. Y esto es algo que le conecta conmigo directamente. Yo tengo una hermana pequeña y evidentemente creo que es de las personas más importantes que yo tengo en mi vida.

Vivimos unos tiempos en los que por desgracia se cuestionan aquellas tragedias de las que las mujeres soleis ser víctimas predilectas. ¿Qué puede aportar esta película para contrarrestar esa campaña de desprestigio contra la mujer?

Ángela Cervantes: Pues yo creo que ojalá aporte, ¿no?, que ojalá aporte como tener un referente de una mujer que se permite mostrar acciones que a veces no nos permitimos no como mujeres, como rabia, ese enfado, no ver una mujer enfadada en ficción y violenta porque no, y porque también tenemos estas emociones. Si nos las tapamos puede ser mucho más perjudicial para nosotras, y para el proceso que necesitamos vivir para transitar a otras cosas. Entonces creo que puede aportar eso, una mirada diferente y ver una manera diferente de gestionar una tragedia así. Espero que pueda aportar eso.

Gemma Blasco (en el centro)

GEMMA BLASCO

La furia abarca una lacra social que ha tenido por víctimas a un número inimaginable de personas en el mundo entero. ¿Qué retos te ha planteado reflejarla en una película?

Gemma Blasco:  La Furia plantea algo que es lamentablemente muy universal y transversal a culturas, a estratos sociales. Entonces había una cosa que era un poco, no sé si un reto, pero era algo que yo quería tener muy presente todo el rato, que era hacer la película incómoda, visceral, y que tratara el tema de esta forma, yendo un poco esta forma, de nuestra entraña, y a la vez ser respetuosa con las víctimas y encontrar ese equilibrio. Quería que las víctimas que vieran la película se sintieran como representadas, o al menos no se sintieran faltadas al respeto en la forma de narrarlo, porque también es verdad que durante el proceso tuve que hacer las paces. De acuerdo con lo hablamos con Ángela, no tenemos por qué representar a todas las víctimas. Y por eso tuve como que hacer las paces de, de acuerdo con lo que hablamos con Ángela, de... No tenemos por qué representar a todas las víctimas, ¿no?

 Cada caso es un mundo y cada víctima es un mundo. No tenemos este deber social, ¿vale? No pasa nada. Estamos haciendo esta película que trata de esta historia en concreto. Pero sí que aun así quería ser muy respetuosa con las víctimas. Y esto, no sé si fue un reto, pero sí que fue algo que quieres tener muy presente durante todo el proceso.

A lo largo de tu carrera has rodado en diferentes soportes, tales como 8mm 16mm y mini DV. De todos los soportes y formatos que has usado que existen actualmente, ¿cuál crees que es el mejor para contar historias y cuál crees que es en particular el mejor para contar esta película?

Gemma Blasco: Ah, que interesante, Vale, bueno ya. Pues sí, he rodado con diferentes formatos, he tenido ese privilegio y esa suerte.  Evidentemente creo que el negativo y el fílmico tienen algo que ver, pero a la vez también lleva un ejercicio de bajar a tierra y de decir. Para la forma que a mí me gusta rodar realmente necesitaría muchísimo dinero (para poder rodar en negativo), porque juego en ciertos momentos con la improvisación. Me gusta poder tener momentos de mover la cámara como quiera y esa cosa más de ir al milímetro cuando tienes los rollos muy calculados creo que me sería un impedimento. Para mí sería precioso, sería muy romántica la idea de rodar en fílmico otra vez, pero, por ejemplo, para hacer un largometraje me quedo con el digital, pero por la practicidad básicamente. Obviamente hay algo muy romántico en la estética que me encantaría. Ahora por ejemplo tengo una cámara casera digital que no es mini dv porque es con tarjeta (es que no se llaman). Las compras compactas. Es como casera, como de sesiones, y la uso todo el rato. De hecho, en proceso de ensayos la usé muchísimo porque sería para rodar material y material a baja calidad, y luego la uso mucho para hacer como mini diarios y como grabar mi material de mi día a día. Qué bueno. Sí, la uso mucho y me gusta mucho. Y para el otro comentario me quedo con el digital. Por desgracia o por dificultad, porque en realidad me encanta el negativo. Ojalá tuviera infinito... Si tuviera infinito negativo, me quedaría con el negativo.

En la película aparece un actor que es Carlos Vicente ¿Qué tal ha sido rodar con él? ¿Qué impresiones te ha dejado su trabajo?

Gemma Blasco: Le conocí muy poquito porque tiene una secuencia pero fue muy fácil como que me comuniqué con él muy fácil de ensayar con él y lo encajó muy bien.

 

Carlos Vicente

La Ermita

El cine, en general no descansa. Podemos decir que hay un auténtico aluvión de estrenos, tanto de series como de películas. Una de estas es la que Filmax estrenará próximamente en cines: La Ermita.

Sinopsis

Emma, una niña de un pueblo de Euskadi, quiere comunicarse con el espíritu de una niña que, supuestamente, habita en el interior de una ermita, para lo que intenta convencer a Carol (Belén Rueda), una médium falsa que no cree en los espíritus. Emma quiere poder comunicarse con su madre a corto plazo, dado que esta está muriendo como consecuencia de un cáncer.

Conclusiones

La Ermita es, en realidad, un canto de amor de una hija hacia su madre. Es una prueba de que en Euskadi hay talento actoral a raudales, porque actores como Loreto Mauleón, Elena Irureta y Jon Olivares hace tiempo que alcanzaron el Olimpo de los grandes astros del cine español, en términos de calidad interpretativa. No en vano, en el currículum de estos tres se encuentra esa serie maravillosa llamada Patria, que sirvió de lucimiento a todo aquél que intervino en la misma.

De izquierda a derecha Belén Rueda y Maia Zaitegui

He nombrado a los actores consagrados que aparecen en la película, pero no puedo pasar por alto a su co-protagonista, un verdadero descubrimiento llamado Maia Zaitegui. Hay que decirlo: esta niña es una auténtica “robaescenas”, porque desde el primer momento desprende una magia, un carisma y una frescura tales que los adultos que con ella aparecen (con todo el respeto para estos) pasan, de manera irremediable, a un segundo plano. Apuntad bien el nombre de esta chica, porque si sigue por el camino de la interpretación dará mucho que hablar.

Como es lógico, y dado que es una película de terror ambientada en Euskadi, la fotografía es muy sombría. Abundan los colores fríos y los tonos oscuros. En cuanto al sonido, lamentablemente no he podido escucharla en el sistema Dolby Atmos, pero, pese a esto, debo decir que tiene una muy buena direccionalidad.

Ficha Técnica

Título original: La ermita

Año: 2023

Duración: 105 min.

País: España

Dirección: Carlota Pereda

Guion: Albert Bertran Bas, Carlota Pereda, Carmelo Viera

DELFINES DE PLATA

Queridos amigos internautas, el próximo día 28 de Julio se va a estrenar el último filme del director Javier Elorrieta, “Delfines de Plata”, una película destinada a ser un taquillazo este verano.

Sinopsis

Todo comienza cuando el grupo yihadista comete un atentado contra una iglesia cristiana en Nigeria. Akin, uno de sus supervivientes, emigra a España y comienza a trabajar en un hotel hasta el cuál le perseguirá la tragedia, una tragedia que, de una manera u otra, está conectada con los jefes del hotel y con un político gay que está en el armario.

Delfines de Plata aborda la temática del yihadismo desde una óptica realista, poniendo de manifiesto la barbarie que representa cualquier lucha armada, una lucha armada que destruye vidas y atenta contra el amor en todos sus frentes. Se trata de un thriller en toda regla, cuya tensión acaba en un climax que no desvelaremos y que deja en el espectador una sensación de incertidumbre.

Esta película es el grito irrestricto de un grupo de personas que buscan en las emociones el medio para expresar su más sincera y ferviente repulsa a un mundo que cualquier ser con corazón rechazaría sin miramientos. Es la certeza de que el cine tiene que estar al servicio de la humanidad.

 

A Fondo

Saber y Ocio hemos tenido el placer de conversar con varios de los protagonistas de este selecto filme, concretamente con Luis Fernando Alvés, Will Shephard, María Blanco y Rodolfo Sancho, quienes con una enorme dosis de amabilidad y simpatía tuvieron a bien cedernos parte de su tiempo.

Luis Fernando Alvés

SyO:  Esta película trata una temática tan delicada como lo es el terrorismo. ¿Qué retos o dificultades te ha presentado tu personaje a la hora de interpretarlo?

LFA: para mí ha sido un personaje que me ha dado muchos problemas y muchas satisfacciones, porque es un personaje que se aparta mucho de mi zona de confort. Es la primera vez que tenía, tras cuarenta años de profesión, escenas de sexo homosexual explícito, tan potente, pero están muy bien tratadas. Javier lo ha llevado fenomenal, y para mí era muy importante el no ir a lo fácil, no hacer solo un ministro, gay. Tiene muchas aristas, tiene muchas vertientes, y a la hora de componer el personaje y que tenga una estructura un poco creíble y coherente había que hacerlo desde la normalidad, porque es un ministro del interior. Cuando ves al ministro tiene que tener un peso, tiene que tener una autoridad, y luego al mismo, tiempo, cuando en su vida personal tiene otros momentos, tienes que ver esa fragilidad, demostrar esa parte más delicada del personaje. Lo que estoy recibiendo de la gente que ve la película es que la gente empatiza mucho con el personaje, y eso para mí era muy importante también, porque es un hombre que está a punto de traicionar a su país por una historia de amor, pero claro, es que en esta película el amor lo mueve todo, porque hay tres historias de amor que son muy fuertes que provocan un poco todo. 

Luis Fernando Alvés

SyO: ¿Tú no crees que este personaje, a la hora de hacer su vida, es un poco traidor? Quiero decir, ¿no ves como una traición a la persona a la que ama el hecho de que él viva en el armario en una época en la que esto ya no es el “tabú” que era antes?

LFA: Efectivamente, por eso lo hemos querido tratar desde un punto de normalidad. De hecho, el personaje mío dice eso mismo precisamente en un punto determinado. Dice “¿Tú te crees que alguien se va a asustar a estas alturas porque un ministro se declare homosexual?” pero claro, es que lo que hace que el personaje tome estas determinaciones no es egoísmo, porque él no lo hace por él, él lo hace cuando su amor (el torero) le plantea que está en juego su carrera y que tiene que hacer lo que sea para sacarle de este embrollo. Y eso es lo que le hace dar esos pasos, lo hace por el amor al torero, no por él. Él está dispuesto a renunciar a muchas cosas, pero se sacrifica él. Cuando el torero le pone entre la espada y la pared le dice “no, no, es que esto no puedes hacérmelo, tienes que solucionar este problema”. Entonces, es ahí cuando se enfrenta al director de la policía. Da unas órdenes supuestas del presidente del gobierno que no han ocurrido. Ahí se juega su carrera. Deja todo por amor. Es un personaje que tiene muchas aristas, muchas vertientes, para cualquiera actor esto es un auténtico bombón. Te permite jugar mucho con muchas vertientes y mostrar muchas caras diferentes de un mismo personaje, y eso es muy bonito. Y, claro, este personaje es el ministro del interior, y tiene que enfrentarse con situaciones muy potentes. Cunando ves al ministro tienes que ver autoridad, tienes que ver peso, tienes que ver un tío con entidad, no puede ser un veleta. Y luego, cuando está en su vida privada con su amante tienes que ver esa fragilidad que muestra con él. Eso para mí ha sido un reto por un lado, y por otro una gran satisfacción con Javier (que, como digo, es un hombre que conozco muy bien, lo hace muy bien, con una mirada nos entendemos porque me ha dirigido muchas veces), yo con él me entiendo muy bien y, con poquito, sacamos adelante grandes cosas, y no es la primera vez.

SyO: Llevas muchos años como actor. ¿Qué es lo que, a tu juicio, se le debe exigir a un actor?

Depende desde qué punto. Si es desde el punto del director, del productor o de los compañeros. No hay cualidades concretas para ser actor. Para ser actor te tiene que apetecer, te tiene que gustar, te tiene que divertir, y luego tienes que aprender a hacerlo. Y luego los resultados unas veces son peores y otras son peores, pero un actor sobre todo tiene que tener capacidad de trabajo e ilusión por lo que está haciendo.

SyO: Has trabajado en el mundo del teatro, la televisión y el cine. ¿Te has planteado iniciarte en el arte del doblaje?

Iniciarme no, porque la primera vez que trabajé en doblaje fue en el año 87 o por ahí. Amparo Bravo (mi exmujer) es directora de doblaje. Acabo de terminar ahora mismo una serie en la que he hecho un personaje muy divertido, en la serie Buck Rogers, que es una serie del año setenta y tantos que se está doblando otra vez. Es una serie con una imagen muy extraña porque es muy antiguo todo, pero hago un personaje de un robot que es pequeñito que es muy gracioso y muy divertido, me lo he pasado muy bien. Está todo el rato haciendo “biti, biti, biti”. Muy divertido, me lo he pasado muy bien haciéndolo.

Will Shephard y María Blanco

SyO-Esta película trata una temática tan delicada como lo es el terrorismo. ¿Qué retos o dificultades han presentado vuestros personajes a la hora de interpretarlos?

WS: Lo hablábamos antes los compañeros. Es una trama de terrorismo, que es lo que le da la acción, el “este” policíaco que hay tan fuerte, con Rodolfo, Emilio Buale, Malcolm, (Matías) Janick y Charles, y luego está lo que hacen, que ya no es solo la trama terrorista de reventar un hotel o ir a un estadio a causar muchas muertes, es que, encima, destrozan todo el amor que hay en la película. Estos terroristas atentan también contra el amor. Es muy bonita, es muy romántico en el sentido más literario de la palabra, ¿no?, en el romanticismo. Se cargan e intentan cargarse el amor del ministro con el torero, el amor de Akin con sus niñas y el amor de Akin con Amelia, y arremeten contra todo eso. Es terrorismo por partida doble. Cuando leemos el guión lo celebramos, porque puedes jugar como actor con todo eso, puedes demostrar, dar cosas, y yo creo que eso es, en mi parte, lo que me llevo: la experiencia de poder contar tantas cosas en un film de casi dos horas. Es lo que me llevo yo.

Will Shephard

MB: Para mí el reto ha sido dar visibilidad a que se puede hacer cine de otra manera en el sentido de contar historias desde el otro lado, en mi caso ser una mujer madura de la cual se enamora un ser tan maravilloso y tan joven como es Akin (Will Shephard) y poder contar que a lo largo de toda la historia del cine se ha contado siempre al revés, hay muy poquitas historias de amor en las que no importa la edad, si la mujer es más mayor o no, entonces, para mí el reto ha sido que se viera creíble ese amor. Hacerlo creíble, hacerlo verdad. Yo lo viví con verdad y lo hice con todo mi empeño, y espero que se refleje, y que, poco a poco, los guionistas, los directores, empiecen a manejarse con el amor, no con los géneros, ni con las edades, ni otro tipo de cosas.

María Blanco

SyO: ¿cómo definiríais a vuestros personajes?

WS: ¿Cómo defino a Akin? Es una tortura emocional. Una tortura emocional en todos los aspectos. Empieza el film sufriendo una pérdida, luego hay un momento en el que está feliz, en el que consigue muchas cosas en muy poco tiempo, la estabilidad tanto de él como de sus niñas. Nunca consigue una estabilidad con Amelia realmente, al principio. Luego ya pasan muchas cosas, pero cuando está a punto de conseguirla también se la arrebatan y vuelve a sufrir. Entonces, es un personaje que está continuamente torturado, y es un poco el hilo que sigue durante toda la película, la tortura. No se me ocurre mejor palabra, aparte del amor (que lo hemos mencionado antes), el amor que siente por sus hijas y por Amelia, es la tortura.

MB: Amelia es de apariencia fuerte, no le ha ido muy bien en el amor, y, de repente, se encuentra con este hombre, con Akin, maravilloso, pero que es de un estatus social distinto, inferior, y además es negro. Entonces, es realmente el amor más puro que ha vivido en toda su vida, pero con esos condimentos de dificultad y de conflicto. Entonces, ella se desbarata un poco. Tiene la duda: la gente no lo va a entender, ni la diferencia de edad ni tu color de piel, entonces la sensación de ser juzgada y de estar como atrapada ahí, y no saber qué hacer con tanto amor.

SyO: María, ¿tú definirías a tu personaje como una mujer profunda?  Pregunto porque ella tiene mucho temor al juicio pero en el fondo se deja llevar por su amor a Akin…

Mb: yo creo que hay una parte de la película en la que es muy reacia a estar expuesta y a que se le juzgue, pero creo que, en determinado momento, ella claudica. Y dice “vamos p’alante”, “me da igual”, “porque es tan inmenso lo que siento que no lo voy a poder guardar durante mucho más tiempo”. Y eso yo lo he vivido, y es así. Llega un momento en que, si lo tienes que ocultar, es imposible. Y yo creo que es ahí donde ella se deshace. Se le queda grande la situación porque tiene muchas cosas que manejar, lo que hablamos: el estatus social, el color de piel, la diferencia de edad, entonces, ¿cómo guardo todo esto y lo cuento a la gente de manera que lo entienda, y entienda esto tan enorme que yo estoy sintiendo, y que no lo puedo parar.

SyO: Will, esta pregunta es para ti. Según comentaste en una entrevista, no recuerdas un solo día en el que no escuches música. Tienes una productora musical llamada Ikelly. ¿Cuál es tu aportación al mundo de la música?

WS: Esto es curioso, porque Ikelly surge de una tragedia. Mi mejor amiga fallece en el pantano de San Juan

SyO: lo lamento

WB: lo sé, es una historia dura. Hay que hablar de estas cosas también. Para mí pasó ayer. Eso fue en 2017, en verano, y en mi afán de recordarla, de querer que su nombre…lo típico, no sabes muy bien qué hacer…yo lo canalicé así. Quise montar un sello discográfico en apoyo a nuevos talentos, y fue lo que hice. Me asocié. Éramos tres socios, la cosa ha cambiado un poquito ahora, y la idea es, en un principio, apoyar el nuevo talento. A día de hoy sigue ahí, sigue con las mismas intenciones de apoyo a nuevo talento, y eso fue una idea que surgió de canalizar el dolor de una pérdida.

SyO: Will, como esta pregunta es muy personal, si quieres que la elimine…

WS: No, Ikelly se merece que se hable de ella, yo creo que esta película se la dedico también un poco. Un cosita, rodamos en el pantano de San Juan, donde falleció mi amiga, y eso fue un reto, quise dedicárselo para poder afrontarlo, si no no hubiese podido, y rodamos justo en el mismo lugar donde pasó esta tragedia, la escena de la barca fue allí. Llámalo casualidad, ¿no?

SyO: esto ¿te ayudó a componer el personaje en esa escena tal vez?

WB: No he querido utilizarlo porque hubiese sido muy doloroso este método, pero sí que es verdad que estuvo presente todo el rato en la escena del principio, en que estoy en la barca con Nando Beloa, y hay un par de miradas al pantano, mientras Akin ve los delfines, y era inevitable pensar en Ikelly. Está presente en toda la toma del pantano, me está apoyando, me está abrazando, y tirando conmigo de la secuencia. Estoy convencido de que estaba ahí.

SyO: -Has trabajado en el mundo del teatro, la televisión y el cine. ¿Te has planteado iniciarte en el arte del doblaje?

MB: Yo sí. Yo hice el intento. Es muy complicado, muy difícil, sobre todo porque tienes que desandar lo andado como actor, o como actriz. La metodología es totalmente diferente de la que se utiliza para actuar como actor frente a la que se utiliza como doblador. Eso, por un lado. Luego sí he hecho doblaje a nivel profesional, pero porque yo me he dedicado a los musicales, y el nexo de estudiar doblaje me llegó cuando necesitaban doblar canciones en español, entonces sí que he estado en estudios de doblaje cantando, y quería introducirme hablando también, pero es muy complicado, muy difícil, entonces me quedé un poco ahí, con las ganas. Pero sí, si me gustaría.

WS: Yo sí he tenido la suerte de hacer doblaje. No soy profesional, soy un intruso laboral en este aspecto ahora mismo. Sí que es verdad que se me ofreció la posibilidad de doblar a un personaje para un videojuego de una superproducción enorme de Hollywood de la que no puedo hablar porque he firmado un contrato de confidencialidad muy fuerte, muchas hojas he tenido que firmar, pero he tenido esa experiencia reciente y tengo muchísimas ganas de ver cómo queda, porque se dobló todo en un par de días. Un montón de frases, de estados de ánimo y de cosas, y me encantaría poder decir qué proyecto es, porque es una pasada, pero sí he tenido esa experiencia y soy un afortunado. Quiero disculparme con todos los dobladores y dobladoras profesionales del mundo y decir que he intentado hacerlo lo mejor posible.

Javier Elorrieta

SYO: ¿Cómo definirías esta película? ¿Qué es, a tu juicio, lo que más le caracteriza?

JE: es una película en la que hay una problemática social muy importante. Lo que a mí me interesó y lo que espero que interese al espectador es esa problemática. Esta película tiene para mí una cosa muy especial, y es que parece que la vida pasa por ella. Todas las obras y todas las películas por las que la vida pasa me parecen muy interesantes.

SYO: En esta película tratáis una temática tan delicada como lo es el terrorismo. ¿Qué retos os ha supuesto el enfrentar el rodaje de esta película, enfrentar la composición de personajes o de situaciones? ¿Qué dificultades ha tenido la película en general?

JE: Todas. Ha sido una película muy difícil de rodar, porque se rodaba en un hotel y el hotel estaba abierto, estaba con gente. Luego también había una cosa que era difícil, que era encontrar cinco actores negros que hablaran muy bien inglés y que fueran buenos actores. Te parecerá una tontería lo que estoy diciendo, pero fue difícil. Y creo que los hemos encontrado. Creo que están muy bien. Y luego, problemática mayor ninguna. El tiempo…quizás se ha hecho rápida, hubo que hacerla rápida, pero creo que no ha tenido tampoco muchos problemas.

Javier Elorrieta

 1-Eres director de cine, compositor, guionista y publicista. ¿Con cuál de estas facetas te quedas? ¿Cuál es, a tu juicio, la más importante?

JE: Para mí hay dos facetas muy importantes. Profesionalmente he podido hacer música de cine, música de televisión, música de spots, tocar con mi banda (con la que estoy ahora), y a la vez he podido dirigir películas, dirigir spots, cortos, hacer teatro. Soy un hombre de trayectoria larga y te puedo decir que, para mí, verdaderamente son dos cosas que se compaginan. Por un lado tengo la droga dura que es el cine, que la he heredado de mi padre, Jose María Elorrieta, que hizo 68 películas más o menos, y por otro lado tengo el bálsamo que es la música. La música es lo que me relaja. A mí el cine es lo que me pone más nervioso, y lo que me gusta. Creo que las dos son igual de importantes.

 

SyO: El mundo del audiovisual ha cambiado enormemente en los últimos años. ¿En qué ha cambiado la dirección de cine?

JE: La dirección de cine, verdaderamente (lo que es dirigir al actor, la cámara) eso no ha cambiado. Mira, yo en esta película creé un equipo de gente joven –mayoritariamente- que domina el mundo digital y de la que estoy orgullosísimo. Me han puesto al día de muchas cosas que, claro, en los doce años que llevo separado del mundo del cine, ha cambiado. Pero es técnicamente. No es a nivel de dirección actoral ni dirección de cámara. Eso sigue siendo lo mismo. Pero sí hay un cambio, indudablemente. Muy interesante.

3-Llevas muchos años en la profesión. ¿Qué se le puede exigir a una persona para ser director de cine?

Yo creo que, sobre todo, que ame el cine. Yo le digo a todos estos directores jóvenes que conozco y que van empezando que la técnica es una cosa que se aprende, la técnica es sencilla. Lo importante es qué siente uno sobre el mundo, sobre la vida, eso es lo que tiene que transmitir al espectador. Yo creo que el director de cine lo primero que tiene es que amar al cine, que es una cosa muy sencilla, porque el cine es una especie de arte, de droga que se te mete en el alma y no hay quien lo suelte. Tú eres actor y lo sabes.

4-A finales de los ochenta dirigiste a Sharon Stone, cuando ella aún no era famosa a nivel mundial. ¿Qué recuerdos guardas de ese trabajo?

Muy buenos. La producción era una película de José Frade y ella ya había hecho “Diferencias Irreconciliables” con Ryan O’Neal, y “Las Minas del Rey Salomón” con Richard Chamberlain. No era una desconocida, era una actriz que costó un dinero. Ahora, no tenía la fama que fue brutal. Yo guardo un recuerdo muy bueno, y además pienso que es una película que a ella le sirvió mucho, porque si te das cuenta, todas las películas anteriores que ella había hecho eran de niña guapa, de niña suave, buena. En Sangre y Arena hace su primer malo, una mujer difícil y complicadísima. Yo creo que, a partir de ahí, de joven –según me han dicho en Hollywood- ven la película Sangre y Arena, es cuando empiezan a darle los papeles de mujer malvada. Yo creo que a ella le ha servido, y a mí también. Mi relación con ella es magnífica.

5-En tu faceta como cantante mezclas el jazz con la canción francesa. ¿Son compatibles estos géneros?

JE: Hombre, mira, yo te voy a decir una cosa. Yo tocaba en un grupo de rock and roll, y al final siempre tocaba “Les Feuilles Mortes” (de Jacques Prevert) en francés, jazzeándola un poquito. Y todo el mundo me decía cuando acababan los conciertos “oye, tu francés…lo otro está muy bien, pero lo francés ¡qué bonito!”. Y entonces decidí hacer una cosa francesa. Yo hice un primer disco que se coló, fue número uno en El Corte Inglés. A partir de ahí…pues voy a presentar un séptimo disco ahora. Y he tocado en los teatros más bonitos de España y en las mejores salas, te quiero decir que ha sido una maravilla para mí esa fusión entre la música francesa y el jazz. Yo creo que me faltaba saber qué le podía yo dar a la gran canción francesa para que fuera original y fuera mía.

SyO: ¿Cuáles son, a tu juicio, las razones por las que el público debe ir a ver esta película?

JE: Es una película muy positiva. Es una película en la que se van a encontrar muy identificados con algunos de los personajes. Es, como te he dicho antes, una película por la que pasa la vida. Yo creo que se van a encontrar una película muy entretenida basada en una muy buena novela, y yo creo que no va a salir defraudado para nada de ver esta película.

RODOLFO SANCHO

SyO: Esta película trata una temática tan delicada como lo es el terrorismo. ¿Qué retos o dificultades han presentado tu personaje a la hora de interpretarlo?

RS: Bueno, como tú dices es un tema muy complejo, ¿no?, y el reto es que esta gente… esta gente que se dedica a desentrañar e investigar estos casos, yo he tenido la suerte de conocer a mucha gente que realiza estos trabajos, guardias civiles, gente del CNI, policías…hay algo que yo he observado que es una tónica general, y es que es una gente tremendamente estoica, gente que intentan –no siempre se consigue- no involucrarse emocionalmente. Es gente que tiene un gran dominio sobre sus emociones. Yo siempre pongo, para que se entienda, el paralelismo de ese cirujano que ha perdido dos pacientes esa mañana, ha hecho tres operaciones a corazón abierto, con una tensión tremenda, y es capaz de llegar a su casa y cenar con su mujer y sus hijos como si aquí  no hubiese pasado nada. Entonces, desarrollan un desapego brutal, son gente con una mente muy fría. Y este es precisamente el reto. Normalmente es mucho más fácil interpretar a alguien de grandes emociones, en situaciones muy extremas. Es más fácil porque tienes dónde agarrarte como actor. Y hacer a un tipo así, estoico, frío, tremendamente astuto y calculador es un poco la dificultad del personaje.

Rodolfo Sancho

SyO: Es así como definirías  a tu personaje, como astuto…

RS: Sí, un tipo estoico, astuto. Y también tiene algo muy bonito, que es alguien con los ideales muy claros en el sentido de que está dispuesto a saltarse las órdenes cuando son órdenes equivocadas. Eso ocurre en la película. Le dicen que no siga investigando y él por su cuenta sigue investigando. Y eso demuestra que es un tipo muy valiente.

SyO: es un tipo que, en definitiva, piensa que a veces el camino más rápido para llegar a una meta es el torcido, en vez de el recto, ¿no?

RS: Absolutamente. Él se enfrenta a este tipo de cosas que te digo, a recibir órdenes sin sentido, sin saber exactamente por qué, sabe que son órdenes erróneas y él coge el camino complicado para resolver el caso.

SyO: Te has formado en la especialidad de canto y voz con Olga Manzano. ¿En qué te han influido profesionalmente las enseñanzas de esta dama del folclor latinoamericano?

RS: Hombre, pues me han influido mucho en el dominio de la voz, en cómo usar dependiendo del personaje un registro u otro, depende de lo que estés haciendo. En algo grave, dramático, usas más graves. En comedia, en algo más ligero no es la misma voz “Javier Gallardo” que Julián en El Ministerio del Tiempo. Es que no pueden hablar igual. Entonces, aprendí mucho, dentro de que cantar no es mi fuerte ni mucho menos.

 

SyO: A lo largo de tu carrera has logrado muchos reconocimientos. ¿Te queda algún sueño por cumplir a nivel profesional?

RS: Sí, yo siempre digo que hoy es el primer día del resto de mi vida, entonces yo nunca pierdo la ilusión, la esperanza y el soñar con grandes personajes, con personajes que me aporten enseñanza y a los que yo pueda aportar mi conocimiento hasta ahora, mi bagaje y mi alma.

SyO: Llevas muchos años como actor. ¿Qué es lo que, a tu juicio, se le debe exigir a un actor?

RS: es algo muy subjetivo. Es mi punto de vista, pero a un actor se le debe exigir profesionalidad, saber estar en un rodaje, saber los tiempos de rodaje, entender en profundidad lo que supone hacer una película, lo que supone, la dificultad que tiene, respetar la producción, si te toca estar a tal hora en tal sitio ESTAR a esa hora en ese sitio porque puedes descabalgar todo el plan del día por un capricho. Creo que no hay que caer en eso.

 

SyO: ¿Qué es lo que más caracteriza a esta película? ¿Por qué la gente debería ir a verla?

RS: Lo que caracteriza a esta película es el género. Es thriller. A quien le guste el thriller, le guste la tensión, le guste la investigación creo que va a disfrutar mucho con esta película. Además, tiene un montón de ingredientes, como habrás podido ver. Toca muchos muchos temas, toca el terrorismo, toca la religión, toca el radicalismo, toca la homofobia, toca el racismo, toca la diferencia de edad entre parejas, toca el amor, el amor romántico y el amor de padre. Son muchos temas y creo que cualquiera de esos ingredientes…el espectador se puede sentir identificado bien con una cosa, bien con otra, y eso creo que les puede atrapar.

SyO: Has trabajado en el mundo del teatro, la televisión y el cine. ¿Te has planteado iniciarte en el arte del doblaje?

RS: Bueno, yo he tenido que doblar a veces algunas cosas. Por ejemplo, hice una película que tuvo distribución internacional y tuvimos que doblarla toda al inglés. Yo, por suerte, hablo inglés. Tuve que doblar todo mi trabajo al inglés y fue un trabajo muy complejo. Pero, en principio, no. En principio, mi mundo es el audiovisual, no solo el audio. El cine, las series…ese es mi mundo, sobre todo.

 

Ficha técnica

Director

Javier Elorrieta

Guionista

Javier Elorrieta
Félix García Hernán

Productor

Jorge Sánchez Gallo
José Alberto Sánchez

Música

José Sánchez-Sanz

Fotografía

Luis Ángel Pérez

Montaje

Tutxi Rodríguez

 

Texto: Tommy Agudo

TIN & TINA

Queridos internautas, el próximo día 30 tendrá lugar el estreno de Tin &Tina, la nueva apuesta de Filmax. Y en SaBer y Ocio hemos tenido el placer de conversar con varios de los protagonistas de este filme, en este caso Teresa Rabal y los niños Carlos G. Morollón y Anastassia Russo.

En esta película interpretas una monja. ¿Es la primera vez que has hecho una película de terror?

TERESA:  Es que yo no la clasificaría como película de terror. Es una película que tiene toques de terror, pero que sobre todo es una película social que toca varias cosas. Toca la familia, toca el machismo, toca la religión sobre todas las cosas, la biblia mal entendida, quiero decir, tiene una connotación de muchas cosas diferentes. Y no es la primera vez que hago de monja. De monja terrorífica un poco sí. Con mi padre y mi madre hice “Luz en las Monjas” en televisión, y sí, estaba vestida de monja, pero era mucho más jovencita, claro.

¿Cómo son vuestros personajes?

Anastasia: mi personaje, Tina,  es muy creativa, curiosa, muy avispada. La verdad es que es un poquitín mandona, porque a Tin y Tina les abandonaron en un convento, y en ese momento sentía que tenía que proteger a mi hermano Tin y tenía que mandar más o menos para hacerle el bien.

Carlos: Como ha dicho Anastassia, prácticamente era un mandao. Ella era mi jefa y yo lo que ordene, y yo creo que también como un poco miedica, y Tina me ayuda a superar los miedos y a salir adelante.

Anastassia: ¡Miedica!

Eres actriz, pero también has sido presentadora y cantante. ¿En cuál de estas facetas te sientes más agusto?

TERESA:  Me he sentido a gusto en todas las facetas. Lo que pasa es que ahora ya no quiero cantar más y quiero solamente ser actriz, que fueron mis comienzos.

Habéis hecho una película para mayores. ¿La habéis visto ya?

Anastassia: no, no la hemos visto todavía, el 31 va a salir en cines pero nosotros tenemos el preestreno y lo vamos a ver por primera vez el día 28, mañana. Va a ser nuestra primera vez.

Carlos: sí, yo tampoco la he visto.

Anastassia: has visto el final

Carlos: bueno, he visto el final porque ha habido un pase de prensa, y he visto el final pero cuando ya no estábamos.

Los niños han sido el público objetivo de buena parte de tus trabajos. ¿Te sientes recompensada por, de alguna manera, haber formado parte de la infancia de millones de personas?

TERESA:  Claro, es que las cosas que se aman de niño no caducan, son eternas, y me siento super orgullosa, porque ahora cuando voy a trabajar para una película o lo que sea, la gente tiene un cariño tremendo, los compañeros y la gente de la calle, y ese es el mejor premio que puedo tener, la verdad.

Hoy en día existe una especie de sano revival hacia la época de los años ochenta. ¿Ha cambiado algo desde entonces el mundo actoral?

TERESA:  Muchísimo. Muchísimo, muchísimo. Es muy diferente. Por ejemplo, lo que noto en falta es que los actores hagan más teatro hoy en día, porque hacen cine, series. El teatro me parece una escuela fantástica sobre todo para dominar la voz, para hablar, eso sí lo noto, un poco de formación en la forma de hablar. Pero, sin embargo, expresan muy bien y se mueven muy bien. Pero sí, ha cambiado mucho, mucho.

¿Porqué queréis ser actores? ¿Qué es lo que más os gusta de ser actor o actriz?

Anastassia: para mí, hacer distintos personajes. Fue entender las historias de cada personaje, por lo que han pasado durante su vida, cómo son, cómo interpretan las cosas.

Carlos: Pues yo prácticamente pensar que esto es un trabajo, pero no es un trabajo cualquiera, es un trabajo en el que puedes ser istintas personas o en el que a lo mejor te estás tirando a una piscina. Y yo creo que también es importante el catering, está bueno.

Anastassia: es fundamental en este trabajo disfrutarlo, si no disfrutas no vas a poder seguir adelante.

Carlos: y picar de vez en cuando.

Anastassia: eso es muy importante, alimentarte.

¿Crees que convendría que algunos actores aprendieran la técnica del doblaje?

TERESA:  Es que no se dobla ya casi ahora. Antes doblábamos todo, ahora se hace mucho sonido directo, y también se hacen los ADR que dicen, ¿no?, pero sí, les falta la técnica, claro.

Carlos: me gustaría añadir que yo sí que estuve doblando prácticamente todo lo que dije porque estuve afónico mucho tiempo. Yo creo que es interesante, y bueno…

Anastassia: yo también he doblado con Tin, y la verdad es que es muy divertido. Vas aprendiendo cosas nuevas.

Teresa: mejorar el personaje…

Anastassia: sí, puedes mejorarlo.

¿Os gustaría dedicaros al doblaje cuando fuéseis mayores?

Carlos: No.

Anastassia: Bueno…

Teresa: a ver, está muy bien, pero yo creo que dentro de la formación del actor forma parte la voz, la forma de decir, la expresión, entonces si doblas a otro actor...mejor que no se doblaran.

Anastassia: pues no, entonces.

¿Os cuesta mucho trabajar como actores y sacar buenas notas en el cole o es fácil para vosotros?

Anastassia: yo lo llevo muy bien porque me apoyan mucho mi familia y mi colegio, mi agencia, y lo de sacar buenas notas es simplemente estudiar bien. Y cuando sacas buenas notas puedes hacer otras cosas, así que es fácil, es fácil.

Carlos: hay que encontrar ese puntito. Por ejemplo, en los descansos, si tienes que mirar algo lo miras y así ir aprovechando un poco el tiempo.

Anastassia: vas de camino por ejemplo al rodaje y mañana tienes un exámen, coges el libro contig y vas repasando y estudiando.

Carlos: porque es una parte muy importante, porque si sacas malas notas…

Anastassia: es primera cosa porque sin estudiar no se puede actuar, no se pueden hacer otras cosas.

A los actores les suelen parar para pedir autógrafos. ¿Os ha pasado a vosotros?

Carlos: sí, mucho. Bueno, es normal.

Winter's Bone

 

                    Año  2010,                   Duración 100 min.          País  Estados Unidos

        Dirección Debra Granik                                        Guion Debra Granik, Anne Rosellini.

Reparto:

Sinopsis:

La película Winters bones es una especie de thriller dramático donde a cargo de las vivencias

De su protagonista femenina de tan sólo 17 años se desempeña toda la acción de la película.

Ree Dolly, la protagonista, vive con sus dos hermanos pequeños y con su madre discapacitada en una situación muy precaria en los montes de Missuri.Su padre Jessup ha desaparecido y si no se presenta a un juicio Ree perdería la casa y las consecuencias que eso conlleva.

El embargo de la casa familiar está a punto de producirse si Ree Dolly no encuentra a su padre Jessup vivo o muerto.Jessup traficaba con drogas,y coincidía con gente muy extraña. Ree tendrá que pasar situaciones muy adversas para hallar a su padre.

 

Premios

2011: Premios Guldbagge (Suecia): Nominada a mejor película extranjera 

2010: Círculo de Críticos de San Francisco: Mejor actor secundario (John Hawkes)

2010: Sindicato de Actores (SAG): Nom. actriz (Lawrence) y actor sec. (Hawkes)

2010: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. mejor película intern. independie

2010: Gotham Awards: Mejor película, mejor reparto. 3 nominaciones

2010: 2 Premios Independent Spirit: Mejor actor sec. y actriz sec. 7 nominaciones

2010: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo mejor película drama

2010: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actriz (Jennifer Lawrence)

2010: Oscars: 4 nominaciones, incluyendo mejor película y actriz (Lawrence)

2010: Sundance: Gran Premio del Jurado, Mejor guión

2010: NBR - Asociación de Críticos Norteamericanos: 2 Premios

2010: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año

2010: 4 nominaciones Critics' Choice Awards, incluyendo mejor película y actriz

2010: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor Intérprete revelación. 6 Nominaciones

Opinión personal:

La película es un thriller oscuro dotado de un argumento muy simple, en mi opinión es un poco lenta pero si tienes un poquito de paciencia descubrirás una serie de cualidades en ella cómo  intriga, suspense, violencia, acción que, a buen seguro, te gustará.