El cine musical Americano

    Dentro del musical podemos incluir a toda película  que cuenta con canciones, bailes y coreografías, incluso también podían considerarse como tales las biografías de compositores e intérpretes.

Pero si hablamos del musical, el musical por excelencia es el americano; éste, se caracteriza  por historias optimistas y de cierta frivolidad en las que una trama y unos personajes muy simples sirven de soporte a espectaculares coreografías. Ningún otro género, ni siquiera el western, es tan genuinamente americano como el musical. Se llama también comedia musical.

    Entre 1929 y 1930 surgió en Broadway la comedia musical, con gran éxito de público, que atrajo rápidamente la atención de los productores, los cuáles le dieron importancia a la melodía con temas que realmente no tenían ninguna trascendencia.

    La industria reconoció el éxito entre el público dando el oscar a la mejor película en 1929 a “Melodías de Broadway”. El género se convertiría, junto al cine negro, en el favorito del público. Mientras tanto se elevaba al estrellato a la pareja de baile formada por Fred Astaire y Ginger Rogers con películas como “Sombrero de copa”y “Desfile de Amor”.

"Sombrero de Copa"

    En 1939 una película que cautivó al público  fue “El mago de Oz” con Judy Garland.
    En los cuarenta apareció Gene Kelly  con películas como “Cantando bajo la lluvia”o “Un día en Nueva York”, y junto al director Stanley Donen lo llevaron a su máximo apogeo. Ésta última supondría una revolución en la historia del Musical.

         En la década de los 50 el género goza de gran aceptación, con actores como 

Elvis Presley, o el trío formado por Gene Kelly, Bing Crosby y Frank Sinatra.

    En la década de los 60, destacan películas extraordinarias como “West  Side Story”o “Sonrisas y lágrimas”
    En los 60 comienza la decadencia del género a pesar de películas tan extraordinarias como “My fair lady” o “Hello Dolly”
    Para finalizar, debe hacerse una mención especial a musicales de la década de los 70 como “Hair”, “Cabaret, “Grease”o “Jesucristo Superstar”.

Principales actores del género:

FRED ASTAIRE:

     Su nombre real era Frederick E.Austerlitz. Su familia era de origen austriaco pero el nació en Omaha (EE.UU)  en 1899 y murió en Los Ángeles en 1987. Desde temprana edad se demostraron sus dotes para la danza y formó pareja junto a su hermana Adele.

    Debuta a los once años, y más tarde conquista Broadway. En 1932 su hermana contraería matrimonio y se quedaría sin pareja artística; pero pronto encontraría su pareja de baile en una amiga, Ginger Rogers.   En un informe de la RKO, ahora perdido junto con la prueba, se dijo de él ”No sabe actuar, ligeramente calvo. También baila”.

   En 1933 debutó en el cine, aunque su consolidación llegaría en un papel secundario con Ginger Rogers en “Volando hacia Río de Janeiro”. A ésta seguirían otros éxitos como “Sombrero de Copa” y “Sigamos la flota”.

    En 1949 la Academia de las Artes y Ciencias cinematográficas de Hollywood le concedió un oscar honorífico por su contribución a la comedia musical que le fue entregado por su pareja artística, Ginger Rogers.

Fred Astaire y Ginger Rogers

Fred Astaire

GINGER ROGERS:

  Virginia Katherine  MacMath nació en Independence ( Missouri) en 1911 y murió en 1995 en California. Con  cinco años ya aparecía en películas publicitarias, pero su debut en la escena lo hizo a los once años, en una obra de su madre, la escritora de obras de teatro Lela Rogers.

   Durante 1929 participa en varios musicales en Broadway, lo que supondría su salto al cine.  A partir de 1933 empieza su colaboración con Fred Astaire, formando una de las parejas más fructíferas de la historia del cine. Después de abandonar su carrera en los musicales empezó a  participar en películas dramáticas, consiguiendo un oscar como mejor actriz por “Espejismo de Amor”en 1940.

Ginger Rogers

 

Durante los años 50 abandonó el cine para seguir cosechando grandes éxitos como el musical de Broadway “Hello Dolly”. Moría en 1995 de un coma diabético.

GENE KELLY:

Gene Kelly

   Su verdadero nombre fue Eugene Joseph Curran. Nació en 1912 en Pittsburgh (Pennsylvania), y estudió danza  en la escuela de su madre. Además de trabajar como obrero bailaba con su hermano Fred, fundando un salón de baile en plena Depresión económica. En 1938 consigue debutar en Broadway; en 1940 consigue un gran éxito con el musical “Pal  Joy”, y de ahí  empieza su carrera fulminante hacia Hollywood.

   En sus inicios se le asocia con la actriz Judy Garland,  con quien conseguiría un gran éxito debido a su maravillosa interpretación en “El Pirata”, en 1948. Más adelante (en la década de los 50)  realiza e interpreta películas que marcan la historia del musical, como “Un día en Nueva York”, “Cantando bajo la lluvia”,y “Siempre hace buen tiempo.”

Otra película importante en su filmografía es “Un americano en París”, donde conseguiría  un oscar de la Academia de las Ciencias y las  Artes Cinematográficas por su aportación al musical. En 1956 rodó uno de sus proyectos más ambiciosos “Invitación a la danza”, en el que se incluye un célebre número  junto con un personaje de animación Tom, de Tom y Jerry.

   Después de unos años en el olvido recuperó parte del esplendor perdido al dirigir a Barbra Streisand en “Hello Dolly”(1960) y a James Stewart y Henry Fonda en “ El club social Cheyenne.”

    Gene Nelly murió en 1966 por dos complicaciones de apoplejías.

Cantando Bajo la Lluvia

JUDY GARLAND

    Nació en 1922 bajo el nombre de Frances Gumm y murió en 1969. Esta cantante y actriz estadounidense hizo su debut en la escena teatral a los 30 meses de edad, en el teatro de su padre. Formó con sus hermanas un grupo de vaudeville, las hermanas Gumm, con el que recorrieron casi todo el país. A los 13 años se traslada con su madre a Hollywood y consigue firmar un contrato con la Metro Goldwyn Mayer.

Judy Garland

    Después de varios papeles secundarios, a los 16 años consigue su  papel de Dorothy en la mítica “El mago de Oz”, basada en el libro de Lyman Frank Baum.  Desde entonces es asociada a la canción que canta en una parte de la película, la célebre “Over the Rainbow”, actuación que le valdría un oscar a la mejor actriz juvenil.

El Mago de Oz

MÉXICO

Definición y situación geográfica

  México (de nombre oficial Estados unidos de México) es un país situado al sur de América del Norte. Limita con Estados Unidos, Guatemala y Belice.  Su capital y sede de los poderes de la  Federación es Distrito Federal. La mayoría de los mexicanos tiene como lengua materna el español, idioma oficial junto con 67 lenguas indígenas.

-Lugares de Interés

El Zócalo

  El Zócalo o Plaza de la Constitución es el motor de México. Esta plaza está llena de joyas arquitectónicas coloniales. Sus calles aledañas son un reflejo de la agitada vida de esta ciudad, donde las tiendas extranjeras de ropa conviven con los pequeños comerciantes, los trabajadores, los coches lujosos y los hombres de negocios.

  Las inundaciones siempre han sido un problema para esta plaza. Se inundó en 1629, destruyéndose muchas tiendas que necesitaron ser reconstruidas. La plaza del Zócalo ha sido sede de conciertos de artistas tan importantes como Café Tacuba, Vicente Fernández, Shakira, Paul McCartney y Justin Bieber.

El Zócalo

 Como turista no sirve de nada preguntar por la Plaza de la Constitución, pues poca gente la conoce bajo ese nombre, es mejor llamarla “Zócalo”. Esta plaza ha sido testigo de los más importantes eventos políticos, cívicos y culturales de México en los últimos 700 años. Bajo la Plaza, en la estación de metro se pueden ver fotos y maquetas de la zona a lo largo de los siglos.

Palacio de Iturbide o Casa de los Marqueses de Jaral de Berrio

 En la calle de San Francisco (hoy Madero), en Ciudad de México, está el que es considerado el palacio barroco más representativo de la Nueva España, el Palacio de Iturbide.

Fue construido por Miguel de Berrio y Zaldívar. Se dice de él que cuando su hija se casó con Pedro de Moncada, Marqués de Villafont, prefirió construir un lujoso palacio para dárselo como residencia en vez de entregarle una dote, dado el carácter despilfarrador de este.

Palacio de Iturbide

Palacio de Minería

  Este palacio situado en Ciudad de México es una de las obras más importantes de la arquitectura neoclásica de América. Fue diseñado y construido por Manuel Tolsá como sede del Real Seminario de Minería a petición del minerólogo Fausto Elhúyar. Ha albergado a otras instituciones, y en la actualidad es un museo perteneciente a la Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional Autónoma de México. Está situado en la calle de Tacuba frente a la Plaza Manuel Tolsá, y frente a la estatua de “El Caballito”.

  Este Palacio permaneció cerrado tras los levantamientos militares de la primera mitad del siglo XIX. Se pensó en él como residencia de Maximiliano de Habsburgo.

Palacio de la Minería

   Más tarde, este Palacio tuvo distintos usos, hasta que en 1867 alojó a la Escuela Especial de Ingenieros. Después, esta fue trasladada al edificio de la Facultad de Ingeniería de la UNAM.  Dentro de este edificio destacan su patio, el Salón de Actos, la capilla de la Virgen de Guadalupe y sus escalinatas.

Casa Luis Barragán

 Fue construida en 1948. Fue incluida por la UNESCO en su lista de Patrimonio Mundial en el año 2004, debido a que –como decía la UNESCO en sus declaraciones- es una obra maestra dentro del desarrollo del movimiento moderno, que integra en una nueva síntesis elementos tradicionales y vernáculos, así como diversas corrientes filosóficas y artísticas de todos los tiempos.

Barragán es una figura muy influyente en la arquitectura mundial, y su casa es visitada por arquitectos y conocedores del arte de todo el mundo. El museo, que incluye la residencia y el taller arquitectónico de su creador, es propiedad gubernamental y de la Fundación de arquitectura tapatía Luis Barragán.

La Plaza Hidalgo y Centenario en Coyoacán

  Coyoacán es el barrio más festivo y jovial de Ciudad de México. Su vida apacible y tranquila a diario se diferencia mucho del ambiente festivo de fines de semana y festivos en la Plaza Hidalgo y Centenario.

  Allí, la muchedumbre hace ruedas para ver a los diferentes conjuntos de música vernácula mexicana, folklor latinoamericano y jazz, las danzas indígenas y los conciertos musicales desde el quiosco.

Plaza Hidalgo y Centenario

  En los jardines de Coyoacan también podemos comprar artesanías, muñecas de trapo, discos y libros, así como ver la gran habilidad de los grafiteros.

-GASTRONOMÍA

El Pozole

 Se trata de una sopa hecha a base de granos de maíz, a los que se les añade carne de cerdo. Tiene muchas variaciones, como el pozole blanco de Guerrero y el rojo de Sinaloa, Nayarit y Jalisco. Se consume con totopos.

Pozole

Nachos

 Los nachos proceden de la frontera mexicana, más exactamente de la ciudad de Piedras Negras, donde todos los años se celebra la Fiesta Internacional del Nacho. Se pueden encontrar en todos los supermercados.

Nachos con queso

  Son trozos de tortilla, a menudo acompañadas con queso para nachos. La historia cuenta que un día las mujeres de militares estadounidenses fueron a un restaurante cuya cocina estaba cerrada. Entonces, el cocinero les preparó un plato con totopos y queso. Al plato le pusieron el nombre de quien lo inventó, Ignacio (Nacho) Amaya.

-MÚSICA

El Huapango

  El huapango es un género del folklore mexicano interpretado en las siguientes variantes: el huapango típico o son huastecto, el huapango norteño y el huapango de mariachi.

  Es de interpretación obligada en eventos importantes y celebraciones de tipo familiar. Tiene sus orígenes en la región huasteca, que comprende partes de los estados de Hidalgo (región de Huejutla, San Felipe, Atlaxpeco, Huatla, Huazalingo y Jaltocan), Tamaulipas, Veracruz y San Luis Potosí.

Bailarines bailando el huapango

Los comienzos del huapango se remontan al siglo XVII, y es el resultado de la fusión de las tradiciones musicales indígenas locales con la instrumentación europea. En el huapango, la influencia europea se localiza en la instrumentación, el ritmo de 6 por 8, el canto con falsete y el zapateado sobre el tablado.

  Tradicionalmente se le llama también huapango a la fiesta en la que toman parte chicos jóvenes, niños y adultos, así como al son que se toca en esta fiesta acompañando a los trovadores, que entonan diversas coplas.

  En la interpretación del huapango se combinan violín y jarana, o violín y huapangera, o los tres. Generalmente, la huapangera y la jarana acompañan al violín  El huapango es muy improvisado, tanto en voz como en instrumentos, lo que le hace posible acoplar cualquier elemento sonoro.

El Jarabe Tapatío

 Este baile, típico del estado de Jalisco, y se considera un cortejo entre el hombre y la mujer, buscando éste la aceptación de la doncella.

 Este baile, que surgió durante la revolución de 1910, incluye famosos estilos danzísticos de diferentes zonas. Se le llama jarabe por la mezcla de elementos que contiene, pues la traducción árabe de esta palabra, xarab, que significa mezcla de hierbas. Es una danza folklórica en la que las mujeres bailan sonriendo a los hombres, mientras estos las cortejan.

Las Líneas de Nazca y la Dama del Desierto

El arqueólogo norteamericano Paul Kosok, sobrevuela con una avioneta los desiertos del sur del Perú en 1939, estudiando los antiguos sistemas de riego que en la antigüedad fueron verdes llanuras y ahora son desiertos áridos, no se esperaba lo que sus ojos contemplarían, era la figura de un ave dibujada en un terreno de pampa rocoso que solo se podía observar desde el aire, y así se fueron descubriendo muchas mas figuras de animales, plantas y dibujos geométricos.

Las lineas de Nazca y sus misterios

  Una de las incógnitas hasta ahora no resueltas en otras teorías, es que los dibujos solo se pueden ver desde el cielo ó desde lo alto por eso una de las hipótesis es que tuvieron que ver con extraterrestres.

 Estos dibujos no se pueden distinguir al ras del suelo, Paul Kosok saco sus propias conclusiones que las personas ó seres, para poder realizar todas esas figuras habían tenido que tener conocimientos matemáticos.

Y contrata a la alemana María Reiche para que estudie esas figuras desde ese punto de vista.
  Por lo cual en 1946, Paul Kosok regresa a su país, pero dejando a la alemana María Reiche a cargo de las investigaciones quien le había asistido en sus trabajos de investigación anteriores.

 María Reiche en posteriores estudios demostró que los Nazca construyeron estas líneas con el objeto de marcar diversas  fechas del calendario astronómico y también con el fin y inicio de las estaciones, invierno, verano, otoño, primavera y otros sucesos relacionados relacionados con sus actividades productivas.

María Reiche la Dama del desierto

A finales de ese mismo año desde que Maria Reiche piso Nazca por primera vez, nunca mas pudo dejarlo. Para poder estudiar las líneas con mayor detenimiento, Reiche, se muda a una pequeña casa en la pampa, caminándola palmo a palmo y dibujando cada una de las formas trazadas en el suelo, barriéndolas con escoba,mateniendolas,quitanto rocas que obstruían su visualización, para que puedan ser mejor vistas tanto por los acuciosos investigadores y arqueólogos, así como por los muchos turistas que ya acudían por cientos para admirar estas misteriosas figuras desde pequeñas avionetas.

Pero quien era María Reiche ella llegaba procedente de Alemania, en 1932 y se instalo en el Cuzco-Perú, donde la esperaba la familia Tabel, que la contrataría como educadora de sus hijos, y quedo prendada de los bellísimos  e impresionables paisajes andinos, pensó que era una gran bienvenida para ella y un placer para sus ojos.

Estuvo un largo tiempo en el Cuzco, y durante esa temporada disfruto de los encantos de sus parajes andinos y de su gente, costumbres, bailes, fiestas, comida típica y se enamoro de esa tierra.

Tuvo que pasar 2 años para que Maria Reiche, se trasladara a Lima y en un periódico, publico un anuncio donde ofrecía sus servicios como profesora de alemán y la primera en solicitar sus servicios fue una dama inglesa llamada Amy Meredith  quien era dueña de una importante salón de te limeño, a donde acudían importantes personalidades de la intelectualidad y sociedad.

La figura del ”El Condor”

En ese salón limeño conoció al doctor Paul Kosok, quien le ofrecería trabajar con el, en las Líneas de Nazca por sus conocimientos matemáticos y sus habilidades en la investigación, desarrollada a lo largo con su trabajo con Julio C.Tello (famoso arqueólogo peruano) a partir de ese momento se traslado a Nazca.

Ella limpia y mantiene las líneas de Nazca visibles, y lo mejor descubre nuevas figuras las mide tratando de encontrar un patrón de medida, Maria a dedicado casi toda su vida al estudio y conservación, preservación de las líneas, María publica su libro “El Misterio de las Pampas”,tuvo tanto éxito con su libro que edito una versión en ingles.

Maravillada con la perfección y exactitud de este histórico documento, Maria en una de sus ultimas entrevistas manifiesta:”Tengo definida mi vida hasta el último minuto de mi existencia, sera para Nazca.  
  El tiempo será poco para estudiar la maravilla que encierran las pampas, allí moriré”.
  Ella lucho sola para preservar tan grandioso documento cultural, que son las Líneas de Nazca, a Maria se le puso el apelativo de “La Dama del Desierto”.

“El Mono” simbolo de la fertilidad y la lluvia

Muchos turistas atraídos por el enigma que representan “Las Líneas de Nazca”, ingresaban a las pampas con sus camionetas todo terreno y las deterioraban con el fin de encontrar las Líneas de Nazca, es por eso que varias de las líneas aparecen marcadas con huellas de sus neumáticos, estropeando tanto por dentro como por fuera de las líneas, como la mayoría de las líneas tienes 30 cm. máximo de profundidad, son mas vulnerables de borrarse mucho mas por la tracción de los 4x4,también los culpables de que varias de las figuras se encuentren mutiladas ó eliminadas, a sido por parte de las autoridades y sus obras de autopistas(carretera Panamericana),sabiendo que las líneas ya se encontraban descubiertas hacen unos años atrás y no le dieron importancia alguna.
Sin embargo, en 1970, el instituto Nacional de Cultura declaro las Pampas (terrenos desérticos) de Nazca como zona protegida.

María Reiche a sido merecedora de numerosas condecoraciones, a finales de los setenta, el gobierno peruano le concedió la orden del merito por Servicios Distinguidos (el máximo galardon en el Perú), en 1993 le concedieron la tan ansiada ciudadanía Peruana, en muchos otros reconocimientos.
Pero ese mismo año a sus 90 años, presa de la ceguera y del Parkinson que padecía, publicó otro libro que se llamo”Contribuciones a la Geometría y la Astronomía en el Perú Antiguo”que recoge 40 años de artículos y manuscritos de sus investigaciones ,murió en 1998 preocupada por lo que le pueda suceder a las Líneas de Nazca.

“El Colibri”

Historia de los Nazcas

  

El pueblo de los Nazcas hace dos mil años realizaban ceremonias mágico-religiosas para el inicio del año, verano, primavera, invierno, fechas del calendario astronómico,para beneficiar a sus actividades agrícolas.
Las líneas de Nazca se encuentran en la zona del desierto que linda con las montañas de los andes del sur del Perú, generaciones de constructores de líneas se esforzaron, bajo el intenso calor del desierto durante 800 años, creando uno de los misterios mas grandes de la humanidad, era un pueblo sofisticado que habitaba en el desierto conocido como los Nazca, Vivian en los lugares mas inhóspitos de la tierra y transformaron estrechas franjas de tierra fértil en oasis de verdor, el agua era sinónimo de fertilidad, las zonas verdes son muy productivas, donde se cosechaban la patata y maíz, durante siglos los Nazca desarrollaron sofisticados sistemas de riego para canalizar el agua para sus cosechas y construyeron grandes templos para venerar a sus dioses y enterrar a sus muertos.

Su civilización floreció, casi un milenio, pero en el año 700 DC, solo quedaron las líneas.

Los Nazca realizaban grandes terribles sacrificios humanos para que los dioses se apiaden de ellos y no les mande sequías, les cortaban la cabeza y los enterraban por separado, el cuerpo lo enterraban con una vasija en la que estaba dibujada una cabeza que salía un árbol de ella, lo que significaba renovación ,regeneración,la cabeza humana es la que le da la vida ,sin cabeza no se podría vivir,es un símbolo muy poderoso, en la cultura Nazca es un símbolo común, entre los habitantes se encontraban grandes e ingeniosos agricultores y constructores de las famosas líneas de Nazca,las construcciones de esos geoglifos(figuras construidas en laderas de cerros o en planicies) que representaban formas de deidades y animales, pero varios siglos después fueron mucho más grandes y las formas eran geométricas.

“La Araña”

Independientemente de sus formas su construcción era sencilla pero efectiva, utilizando rudimentarias técnicas de durabilidad, los constructores marcaron los geoglifos con estacas de madera y cuerdas de algodón, mientras trazaban la forma de la figura, los obreros retiraban las piedras, por que el suelo esta cubierta de piedras oscuras y debajo a un sedimento claro y retiraban las piedras oscuras ya había un trazo, los obreros apilaban las piedras a lo largo de los lados, ese limite ayudaba a preservar las líneas del viento y el árido clima del desierto hacia lo demás preservándolo durante siglos, la construcción de esos enormes geoglifos duraba varios días,pero en las pampas no hay agua,ni sombra, el agua era el bien mas preciado para la antigua comunidad Nazca, y en el año 400 DC,un siglo de sequías puso en peligro su existencia,pero averiguaron que el secreto para su supervivencia estaba en el suelo en los posos de agua subterráneas, esos posos en espiral son conocidos como “PUQUIOS”,franjas cubiertas de piedras conducían el agua a los cultivos de los valles.

En el año 700 DC la sociedad de Nazca declino y sin un líder poderoso, llego un pueblo de las zonas altas llamado “Wori”que asumió el control, la cultura Nazca se desvaneció en la historia. En el sur del Perú, las líneas de Nazca siguen siendo tan atractivas como siempre, su legado y su misterio siguen vivos.Maria Reichedescribe así algunas de las principales figuras:

 

“El Pelicano”

El Mono_.famosa figura que mide aproximadamente 135 m. y muestra al animal con solo nueve dedos y una cola en forma de espiral.Esta es una de las figuras mas relevantes y se cree que representa a la Osa mayor, también representa la fertilidad.
El Colibrí_.es otro de los geoglifos mas famosos por su armoniosa proporción.La distancia entre los extremos de sus dos alas es de 66 metros.hay alrededor de 900 figuras encontradas hasta el momento,el misterio de las lineas continua.

PETRA

Introducción e historia

  Enclavada en un angosto valle, al este del valle de la Aravá, que se extiende desde el mar Muerto hasta el Golfo de Aqaba, y a unos 200 kmtrs. de Amman, capital de Jordania, se encuentra el importante y espectacular enclave arqueológico de PETRA. También se la conoce familiarmente como “la ciudad rosada”, por el tono de su piedra arenisca.

  Su nombre proviene del griego “πέτρα“que significa piedra, perfectamente idóneo. No es una ciudad construida con piedra sino, literalmente excavada y esculpida en la piedra.

  Petra fue fundada en la antigüedad hacia el final de siglo VII a. C. por los edomitas, pueblo descendiente de Edom,* o Esaú, hermano mayor de Jacob.

Mapa de localización de Petra

  Un siglo más tarde (VI a.C.), la ciudad fue ocupada por los nabateos, una de las tribus árabes nómades del noroeste de Arabia, los cuales la consagraron como auténticos ingenieros hidráulicos, creando una red de abastecimiento y almacenamiento de agua. Desviaron el cauce del río Wadi Musa para que las riadas de la estación de las lluvias no entraran por el Siq, (el desfiladero por el que se accede a la ciudad). Al mismo tiempo, esculpieron un canal a lo largo de todo el desfiladero que recogería el agua que caía de las montañas para transportarla a las cisternas y fuentes de la ciudad.

  Tallaron cientos de kilómetros de canales y horadaron todo el enclave con numerosas cisternas, muchas de ellas de más de 10 metros de profundidad. Asegurando el abastecimiento y la abundancia de agua, los nabateos hicieron que Petra se convirtiera en una escala imprescindible en las rutas del comercio entre Egipto, Siria y Arabia con el Sur del Mediterráneo.

Desfiladero de entrada a Petra

  Petra fue redescubierta para el mundo occidental por el explorador suizo Johann Ludwig Burckhardt en 1812. Para ello, dicho explorador engañó a los guardianes que protegían el lugar fingiendo ser un árabe de India que deseaba hacer un sacrificio en la tumba del profeta Aarón.

  Su singularidad, por ser un conjunto monumental esculpido directamente en la piedra, hizo que fuera considerada en 1985 Patrimonio Mundial de la UNESCO. Desde Julio de 2007, Petra forma parte también de las Las nuevas Siete Maravillas del mundo moderno.


La arquitectura de Petra

  Podemos considerar que Petra es uno de los mayores ejemplos de “arquitectura rupestre”, es decir, construcciones excavadas o esculpidas en cuevas, grutas o paredes rocosas, por las civilizaciones antiguas. Estas suelen realizarse en lugares donde abunda la piedra blanda-arenisca en este caso-. Esta arquitectura está íntimamente relacionada con la escultura, siendo en ocasiones imposible establecer una frontera entre ambas.

Al-Khazneh (el Tesoro)

  Las “construcciones” de los edificios se empezaban de arriba a abajo y no de abajo a arriba, como sucede en la arquitectura convencional, para evitar que la roca desprendida pudiese dañar las partes inferiores o a los propios trabajadores.

   En cuanto al estilo arquitectónico, este el el propio de la época, es decir, el del Imperio romano.

Escalera esculpida de 900 peldaños

  La ciudad se dividía en dos zonas: la formada por las paredes de las montañas, que estaban consagradas a edificios funerarios, rituales o monumentales, y la zona llana o central donde los nabateos levantaban sus edificios públicos, casas y calles. La mayoría de estos edificios y casas fueron destruidos por el terremoto del año 551, no así muchas de sus excavaciones en fachadas y tumbas (las cuales se estiman quedan intactas unas 500).

Tumbas excavadas en la roca

  El acceso a la ciudad se realiza a través de un estrecho cañón de 1 km. de longitud llamado “Siq”, el cual está rodeado de acantilados de hasta 80 mtrs. Al final de esta entrada, se encuentra uno de los monumentos excavados más significativos de toda la ciudad: la fachada llamada Al-Khazneh (el Tesoro). Posee una inmensa fachada  de 30 m de ancho y 43 m de alto, excavada en una cara rocosa de rosa pálido. Se construyó en el siglo I como la tumba de un importante rey nabateo y es una muestra del talento para la ingeniería de este antiguo pueblo.

  Ascendiendo por la escalera de la foto, nos encontramos con un Teatro estilo romano con capacidad para 3000 personas.

Teatro romano

  A la vuelta de un recodo, en una pequeña cima, aparecen dos extraños obeliscos de proporciones colosales. El dios de los nabateos, la piedra, representado en estas dos figuras por las divinidades de Dushara y Al’Uzza. Lo más fascinante de todo es que los obeliscos no están colocados sobre el suelo, sino que emergen de él. Para dejarlos al descubierto, rebajaron la cima de la montaña más de 10 metros a su alrededor.

Obeliscos

  Más adelante, continuando la ascensión, se llega al Jabal el-Madhbadh, el alto Altar del Sacrificio, el lugar más sagrado e importante de Petra: un santuario con un gran triclinio (estancia destinada a comedor formal en un edificio romano o grecorromano.), varios altares para las ofrendas y, cómo no, cisternas excavadas para recoger el agua que se utilizaría en las ceremonias.

El Altar del sacrificio

  Tras una breve bajada por la Vía Columnata en dirección Este, nos encontramos de nuevo con una ascensión que conduce al  monasterio de Ad-Dayr, cuya colosal fachada impresiona sin duda. Este monasterio tiene una fachada de 40 metros de alto por 50 de ancho, está encajado y esculpido a base de vaciar pacientemente la montaña. Ad-Dayr se considera la fachada que mejor ilustra el gusto y estilo arquitectónico nabateo.

Monasterio de Ad-Dayr

  Situado en la antigua cueva nabatea de la ladera de al-Habis, se encuentra el Museo Arqueológico de Petra. Tiene una gran colección de piezas procedentes de excavaciones realizadas en la región de Petra, que datan de los periodos edomita, nabateo, romano y bizantino, destacando sobre todo los elementos decorativos arquitectónicos y la escultura en piedra.

  El otro museo a destacar es el Museo Nabateo de Petra. Este es un museo más genérico, con 3 salas, la primera donde se muestran un recorrido por la historia de Petra y los nabateos, la segunda, dedicada a excavaciones concretas, y la tercera , donde se exponen diversos artefactos, como joyas, lámparas, estatuillas de bronce, figuritas de terracota, cerámica y monedas, haciendo especial hincapié en los procesos de fabricación.

Muestra de objeto de museo

  Después de recorrer Petra, surge una interesante pregunta: ¿Y los templos y lugares sagrados de culto propiamente nabateo?¿Por qué no hay?
La respuesta de los guías del lugar:
“Porque ellos oraban allí arriba, junto a las nubes…"

Formaciones rocosas polícromas

TARANTINO

BIOGRAFÍA

Nació como Quentin Jerome Tarantino. Este director y ocasionalmente actor (haciendo cameos en algunas de sus películas o en Abierto hasta el amanecer, por ejemplo, donde era coprotagonista, entre otras) nació el 27 de Marzo de 1963 en Knoxville, una localidad situada en Tennessee (EEUU). Sus padres, Tony, estudiante de derecho de 21 años de edad y Connie, estudiante de enfermería de 16, se divorciaron al poco de casarse, cuando Quentin tenía 2 años; él y su madre se mudaron a Los Angeles, ciudad en la que su madre se casó de nuevo.

Tarantino y parte de su filmografía

  Desde niño, influenciado por su madre, Quentin acudía al cine con asiduidad, escuchaba rock, leía revistas pulp (era una revista de encuadernación rústica que normalmente trataba géneros de literatura de ficción) y veía series de televisión.

  Algunas de sus influencias más conocidas fueron películas como Conocimiento Carnal (Mike Nichols, 1971), Grupo Salvaje (Sam Peckimpah, 1969), Deliverance (John Boorman, 1972), Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), todo el cine de zombis de George A. Romero, o un torrente de películas sobre Vietnam. No pudo ser un gran estudiante (pese a obtener 160 puntos en el test de inteligencia del colegio) porque tampoco recibió la atención que un joven de su edad necesitaba, maltratado por su abuela alcoholica y acostumbrado por su madre a leer Moby Dick (Herman Melville, 1951). En su etapa escolar Quentin tenía problemas con algunas asignaturas (aún hoy en día tiene problemas con la ortografía), y ya tenía esos rasgos como gesticular constantemente mientras habla, a veces muy deprisa; debido a esto sus profesores lo consideraron hiperactivo, sugiriendole a su madre la posibilidad de medicarlo con Ritalin (medicamento calmante recetado para la hiperactividad y casos similares) pero esta se negó rotundamente. Finalemente, con el permiso de su madre, abandonó los estudios en su adolescencia y comenzó a trabajar como acomodador en una sala X.

Taratino con una de sus cámaras

  A los 16 años se matriculó en la escuela de actores de James Best, enfocada a la interpretación televisiva. Quentin y algunos de sus compañeros de clase no perdían oportunidad a la hora de interpretar roles de cine policíaco de los setenta;“Tardaba tres horas en tres autobuses para ir a la escuela, a veces me llevaba el saco de dormir y dormía allí”, confiesa. Estas clases han sido el único aprendizaje cinematográfico que Tarantino tiene, el resto es cosa suya. único aprendizaje cinematográfico que Tarantino tiene, el resto es cosa suya. Mientras sus compañeros veían el cine desde la base interpretativa, el se concentraba en las películas globalmente, dándose cuenta de que lo que realmente quería era dirigir: “Mientras mis compañeros querían trabajar con grandes actores como Robert De Niro o Al Pacino, yo me fijaba más en directores como Francis Ford Coppola, Brian De Palma o incluso hubiera aprendido italiano para trabajar con Dario Argento”.

  En 1985, cuando habían comenzado a comercializarse los primeros videos, consiguió un trabajo en un videoclub, el Video Archive de Manhattan Beach (California), lugar donde siguió alimentando su cultura cinematográfica. Trabajando en el videoclub, conoció a Roger Avary, estudiante de cine, y a John Langley, productor, con los que entablo amistad, identificado con ellos por sus amplios conocimientos del medio audiovisual que ambos tenían. Langley les contrato como asistentes de producción para la película “Maximum Potencial” (1987), título destinado al circuito de videoclub en la que Dolph Lundgren tenía también la oportunidad de demostrar su talento en las artes marciales y el kick boxing.

Rooger Avary

  Avary y Tarantino firmaron su primer guión a finales de los años ochenta y fue llevado al cine por Tony Scott en la película “Amor a Quemarropa”, donde trabajaban grandes actores contemporáneos. La película tuvo un discreto éxito para lo que podía haber sido, pero una estrella había nacido: un prodigio hecho de retales cinematográficos de todas las épocas (desde John Woo, Martin Scorsese, Sam Fuller hasta Howard Hawks, Phil Karlson, Sergio Leone o la Nouvelle Vague) llamado Quentin Tarantino. Por aquel entonces dirigió una comedia titulada “My Best Friend´s Birthday”, sin acabar, coescrita junto a Craig Hamman. Fue esta película la que lo curtió como director, extendiéndose a los casi 3 años de rodaje ,haciendole ver los errores de un trabajo deficiente con un equipo inexperto y situaciones de variacion extremas (actores que variaban de peso, color de piel o corte de pelo, lo que ocasionó numerosos errores de raccord).

   A principios de los noventa, Tarantino conoció a Lawrence Bender, quien se interesó entusiasmado por el guión del exitoso thriller “Reservoir Dogs” (1992), la cual se llevó el reconocimiento del Festival de Sundance y se convirtió en un título de culto para el cine, como la mayoría de sus películas.
Harvey Keitel no solo la interpretó, también la produjo. Otros actores que despuntaron tras esa pelicula fueron Tim Roth y Steve Buscemi

  Su siguiente producción fue su consagración como gran director de grandes guiones y actores, “Pulp Fiction” (1994), también con un gran elenco, una película de historias que se entrecruzaban por el azar, donde repetía con algunos (como Tim Roth, Harvey Keitel o Steve Buscemi) y donde intervenían grandes estrellas como protagonistas o en pequeños papeles, intérpretes de cine independiente y también se daban a conocer otros talentos. Esta película obtuvo un Oscar, un Globo de Oro y un BAFTA al mejor guión original, entre otros premios.

Tarantino y su Oscar por el guión de Pulp Fiction

  Antes de ponerse en harina con su tercera producción, realizo el episodio piloto de la exitosa serie Urgencias (1995) (que cuenta con numerosas temporadas), donde conoció a George Clooney, con el que trabajó un año después a duo como actor en la sexta película de su amigo Robert Rodríguez, Abierto Hasta El Amanecer (1996); él y Tarantino se conocieron cuando coincidieron en el Festival de cine de Toronto con sus respectivos debuts, El Mariachi y Reservoir Dogs.

 Su tercera película (quizá la que pasa más desapercibida) fue Jackie Brown (1997), donde recupera a la reina del cine blaxploitation (movimiento cultural que comenzó en los sesenta que abarcaba música, arte y cine golpeando el racismo que imperaba en el cine estadounidense, donde los actores de raza negra eran relegados a papeles de poca importancia), Pam Grier.

 Para su cuarto trabajo, Tarantino contó con numerosos ingredientes nuevos en su filmografía: ambientación asiática, artes marciales o sangre a borbotones; llegaba una esperada película, en dos partes. Se trataba de Kill Bill Volumen 1 y 2, estrenos separados por medio año y con un primer volumen que hace inevitable el deseo por ver la segunda entrega. Uma Thurman como absoluta protagonista (junto a ella, Tarantino ideó su personaje en la película, la novia ensangrentada durante el rodaje de Pulp Fiction –en los créditos finales de Kill Bill Vol. 2 se puede leer al final ‘carácter ideado por Q&U’).

  Tras Kill Bill fue el director estrella para abrir la cuarta temporada de CSI Las Vegas, con un asfixiante doble capítulo en el cual Nick Stokes (George Eads) es enterrado vivo.

  Lo siguiente fue una colaboración con su amigo Robert Rodríguez, un programa doble de cine de terror como los de antaño (denominados Grindhouse), que se hacía con películas de serie B, tratándose de los directores este no era el caso, y dado que esos programas dobles ya se estilan, se estrenaron como dos estrenos individuales simultáneos.

Cartel promocional de Planet terror

  Se trataba de Planet Terror y Death Proof (estrenadas con un mes de separación), la primera con una surrealista trama sobre una bailarina de streaptease (Rose McGowan -Generación Perdida, Scream o la serie Embrujadas-) a la que un zombie le arranca una pierna que más tarde es sustituida por una ametralladora y que, junto a una resistencia a la plaga de zombies queda convertida en la heroína del film. Esta actriz, que inició una relación con Robert Rodríguez poco antes del rodaje, hizo doblete en Death Proof, la película de Tarantino, en el primer segmento de los dos de los que esta compuesto el film; Kurt Russell era el protagonista psicópata, especialista de cine y perseguidor de jóvenes mujeres con su coche a prueba de muerte.

Cartel de Malditos bastardos

  Su último film estrenado,” Malditos bastardos”, es otro giro en su dinámica, con menos humor, tratando un tema tan escabroso como fue el nazismo y la Segunda Guerra Mundial, y la elaborada venganza del personaje agredido (Mélanie Laurent) contra sus agresores (Christoph Waltz y compañía). Waltz ganó el Oscar, el Globo de Oro, el BAFTA, el del Festival de Cannes y el de la Asociación de Críticos de Los Angeles al mejor actor secundario por su brillante rol de cruel despiadado.

  Además la película recibió el David di Donatello al mejor film extranjero, además de recibir numerosas nominaciones de importantes premios.

  En su reparto  incluyo  actores más comerciales (Brad Pitt) o jóvenes promesas (Daniel Brühl, Michael Fassbender o Diane Kruger), ademas de a su amigo y colega, el director de cine de terror Eli Roth (responsable de las dos partes de Cabin Fever o Hostel y su secuela (estas últimas producidas por Tarantino), que ya aparecía en Death Proof).

  Sus próximas producciones son Django Desencadenado, con Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Jamie Foxx (como Django), Christoph Waltz o Zoe Bell. Poco más se sabe de este film, mas que esta a punto de estreno. Lo siguiente será algo muy esperado: Kill Bill Vol. 3.

Cartel de Django desencadenado

Artes Audiovisuales

EL DOBLAJE (2ª PARTE)



Llegan las cadenas autonómicas y los nuevos estudios

  Hasta comienzos de los años ochenta, el doblaje estuvo centralizado en Madrid y Barcelona. Sin embargo, los nuevos canales autonómicos, salvo Telemadrid y TV3, se encontraron con que no tenían estudios en los que realizar el doblaje a las lenguas autonómicas. Así, fueron naciendo nuevos estudios en Valencia, Andalucía, Galicia y el País Vasco. Eso, por no hablar del llamado “boom” del vídeo. Y comenzaron los conflictos.

  Al parecer, a finales de los años ochenta TVE subastó una serie de capítulos de una serie de televisión. La mayoría de los estudios hicieron un boicot a dicha subasta, salvo Cinearte, a quien le fue adjudicada a un precio un 11% más bajo de lo habitual. Esta empresa tuvo, como consecuencia derivada de ello, problemas pecuniarios con el actor y director Eduardo Jover. Por otra parte, empezó a haber una guerra de precios a la baja.

Eduardo Jover

   Sin embargo, los verdaderos conflictos estallan en 1990 y 1993. En estos dos años hubo sendas huelgas de doblaje. La segunda de estas fue la más dura. Al parecer, en esta segunda huelga los actores no consiguieron el total de sus reivindicaciones, pero sí la más importante: el establecimiento de un convenio laboral que acabe con la supuesta competencia desleal ejercida hacia Madrid y Barcelona por estudios de otras comunidades. Fue una huelga que duró ni más ni menos que tres meses.

TVE subastó 540 cap. de Santa Bárbara

Años después se esperó un nuevo boom por las cadenas digitales, pero al final la cosa no fue para tanto. 

El cine español ataca

  Desde hace décadas, el mundo del doblaje lleva sufriendo las embestidas de sus “compañeros” del cine español. Llevan décadas echando pestes del doblaje, culpándole de los males de su industria, mintiendo constantemente sobre sus orígenes. Incluso, en un ejemplo de autoritarismo, la ex ministra de cultura Pilar Miró, intentó prohibirlo. Los actores españoles que critican al doblaje no se han dado cuenta en su vida de que si para ellos el doblaje es una “amenaza” es porque el público español no quiere verles ni escucharles a ellos, sino a sus compañeros del otro lado del charco. No estoy diciendo con esto que el público no quiera ver a actores españoles, que todos los actores del cine español sean malos, o que todos los actores del cine español ataquen al mundo del doblaje. Simplemente, como en su día dijo la gran Matilde Conesa, los buenos actores no tienen porqué temerle al doblaje.

La gran Matilde Conesa

   Si la situación del cine español es desigual con respecto al cine norteamericano en España, es por el sistema de distribución. Hoy en día, las grandes distribuidoras, franquicias o bien filiales de las productoras norteamericanas, practican el sistema de venta por lotes. Es decir, los exhibidores se ven obligados a comprarles lotes enteros en los que les viene el gran taquillazo del año y otras tantas películas que no son ni mucho menos taquillazos. 

Las exhibidoras se ven perjudicadas por la venta por lotes

Proceso técnico y artístico

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  Todo comienza cuando una empresa tiene los derechos de explotación de una película. La copia de trabajo de la película llega al estudio. Entonces, se comienza la traducción. El traductor, que debe conocer la cultura de la película, realiza su trabajo cotejando el guión con lo que los actores originales dicen, es decir, escuchan la película. 

 Una vez traducido el guión, el ajustador, que suele ser el director de doblaje de la película, hace el ajuste o adaptación del guión. Esto consiste en que se acortan o alargan las frases según convenga para que el actor pueda hablar en sincronía con el actor original, y se cambian algunas palabras o frases por sus expresiones sinónimas con el fin de que el actor pueda encajar sus gestos con los del actor original. También se hace una adaptación de tipo cultural, es decir, si hay una marca que sea completamente desconocida en España se cambia por otra que sí lo sea.   

White Castle fue una de las marcas que fueron cambiadas

   Hecha la adaptación, se procede al pautado del guión. Esto consiste en su división en takes, es decir, fracciones de texto de diez líneas en total y no más de cinco por personaje. 

Antes había también un montador, que era el que se encargaba de cortar la copia de trabajo en los takes que luego se iban a grabar, pero ahora basta con que el técnico de sonido pulse una o varias teclas para que el take salga automáticamente en pantalla. 

Arsenio Corsellas Serra, voz habitual de, entre otros, Sean Connery

  A la hora de grabar las voces en sala, el director llama al atril a los actores que han de intervenir. Se ensaya un par de veces con el original por debajo, luego a veces se deja mudo el original y se sigue ensayando, y después se procede a grabar. Una vez terminada la grabación se ve y escucha el  take, si se da por bueno se pasa a otro, y si no se repite la totalidad o parte de este. Si, en cambio, solo está mal una parte del take, o bien se regraba solo esa parte. Y si hay alguna faltya muy pequeña de sincronía, se edita el diálogo en sala. 

  Terminada la grabación de voces, al menos en el caso de ciertas películas o productos, se pasa a la edición. Allí, un técnico de sonido borra todo lo que sea necesario borrar, y mueve los diálogos si hace falta, a fin de que estén sincronizados a la perfección.

  Ya hecha la edición se procede a la mezcla. Un técnico de mezclas dispone en una misma sesión de todas las pistas con los efectos, las voces y la música, y él va uniendo y “armonizando” todo eso, su misión es la de crear un “espacio sonoro”. Acto seguido se procede al pase con el cliente para comprobar que todo está correctamente.

Pro-Tools, sistema para grabar y editar audio

 Una vez se ha terminado de mezclar la película, se hace la cinta master de sonido Dolby Digital, y en algunos casos también SDDS (DTS es otro sistema de sonido, pero este va incluído en cd’s, no en cintas), se imprimen estas bandas en cada una de las copias a exhibir y ya se da por concluido el doblaje. 

Evolución tecnológica del doblaje

  Como ya hemos dicho, al comienzo de la historia del doblaje las grabaciones se hacían en material fotográfico, luego pasaron a hacerse en material magnético. Antes cuando la película llegaba al estudio, un montador la cortaba en takes. Ahora, con los sistemas de grabación en disco duro, esto en teoría no sería necesario, ya que la imagen queda almacenada en el mismo soporte en el que van las pistas de sonido, y se puede acceder al principio del take, como ya he dicho, pulsando como mucho varias teclas. 

La moviola se usaba para cortar la película en takes

El doblaje ha sufrido una enorme evolución positiva en el plano técnico. Por desgracia, esta evolución ha sido a la inversa en el plano artístico. Hoy en día apenas se ensayan los takes, y cuando se doblan series de televisión apenas se escucha a los actores originales.

ARTES AUDIOVISUALES

EL DOBLAJE; ESE GRAN DESCONOCIDO

El director de doblaje José Luis Angulo y el actor Axel Amigo, durante un doblaje

  Nosotros, los espectadores españoles, estamos acostumbrados en nuestra gran mayoría a ver las películas y series extranjeras en nuestro propio idioma. Tal ha sido la magia de muchos profesionales que, creo yo, hasta bien entrada la década de los ochenta, no nos dábamos realmente cuenta de que la voz con la que
escuchábamos a muchos actores no pertenecía a estos.

 Ello se ha debido gracias al doblaje. Esta técnica consiste en interpretar la voz de un actor extranjero en sincronía con sus labios, y pegándose todo lo posible a la interpretación que este ha hecho. Pero vamos a seguir descubriendo un poco más sobre este apasionante mundo.

Antecedentes: el cine mudo y los expliadores

  Cuando el cine era mudo, la operación de cambio de idioma era muy sencilla. Bastaba con cambiar los rótulos originales por aquellos en el idioma del país al que la película se iba a exportar. Pero había un pequeño gran problema: en muchos países, la población no sabía leer. Alguien tenía que dar voz a la película. Fue así como surgieron los explicadores.

  Los explicadores eran personas que narraban la historia a los espectadores en las salas de cine. A menudo eran muy mal tratados por el público.

Actores de doblaje viendo imágenes de una serie a doblar

  El primer pseudo-antecedente de doblaje lo podemos ubicar en pleno auge de los explicadores, en 1908. Un día, el director catalán Fructuoso Gelabert situó en el foso de una sala a unos explicadores que sincronizaron en vivo los diálogos de una película suya llamada “Los Competidores”.

Comienzos del sonoro. Dobles versiones

En 1927, los hermanos Warner lanzaron “El Cantor de Jazz”, película que usaba un sistema de sonido llamado Vitaphone. Esto consistía en que se reproducía un disco con la banda sonora de la película, en sincronía con la proyección. Había aparecido, sin embargo, un nuevo problema: los personajes tenían que hablar el idioma de los países a los que se exportaba la película. Fue así como nacieron las dobles versiones. Esto consistía en que, con los mismos decorados, se hacían distintas versiones de una película. En el caso de las versiones en español se mezclaban actores latinoamericanos con actores españoles. Es decir, se rodaba primero la película en su idioma original, y después de volvía a rodar en otro idioma. 

   Sin embargo, esto parecía no bastar. En 1928, Jacob Carol y Edwin Hopkins, técnicos de sonido de la Paramount, inventaron la técnica de grabación de diálogos en sala. Y la aplicaron con el doblaje al alemán de la película “The Flyer”, de Lewis Milestone. 

El doblaje inicia su expansión

A finales de los años veinte, Paramount tenía su sede europea, Reservoirs, en Joinville Le Pont, un pueblo cercano a París. Allí hacían ellos sus doblajes, y allí se hicieron los primeros doblajes al español.

  Para ello, se puso un anuncio en un periódico y se hicieron unas pruebas en la Gran Vía de Madrid. Y el director, Luis Buñuel, junto con los actores y actrices escogidos, se desplazaron a Joinville para realizar dicho doblaje. Existe cierta controversia en este punto, ya que mientras unos autores afirma que el primer doblaje al español fue el de “Río Rita”, otros afirman que fue el de “Entre la Espada y la Pared”, aunque parece más probable que fuera el primero, ya que data de 1929.

Actriz escuchando la .VO, tarea fundamental antes de grabar

 Los primeros estudios de doblaje españoles son T.R.E.C.E (Trilla La Riva Estudios Cinematográficos Españoles), unos estudios propiedad del empresario catalán Pedro Trilla y del técnico de sonido madrileño Adolfo de la Riva que estaban situados en Barcelona, en el Palacio de la Metalurgia. Fueron fundados, si la memoria no me falla, en 1931.

Tres años más tarde, en 1934, se fundan dos estudios que serían míticos en el mundo del doblaje. Por un lado, el empresario italiano Hugo Donarelli, socio cofundador de los estudios Fono Roma en Italia, fundó en Madrid los Estudios Fonoespaña. Por otra parte, la Metro Goldwyn Mayer funda sus propios estudios de doblaje. Ambos estudios suponen una auténtica cantera de estrellas del doblaje.

Metro Goldwyn Mayer, uno de los estudios más importantes de doblaje

  Terminada la Guerra Civil,el Gobierno de Franco impone la Orden del 23 de Abril de 1941, por la cuál se hace obligatorio el doblaje de películas no habladas en español, salvo permiso expreso del Sindicato de Espectáculos, orden que sería revocada seis años más tarde, permitiendo expresamente la exhibición de películas en versión original subtitulada.

 Se trata de una época muy oscura para el doblaje, ya que aunque el nivel artístico es excepcional, la censura mete sus zarpas en la profesión. Gracias a esto, los personajes del cine no “hablan de sexo”, ni “dicen palabras soeces”, ni, por supuesto, “son rojos”. Casos muy espectaculares son el de Casablanca, donde el personaje interpretado por Humphrey Bogart  pasó de ser un brigadista internacional en España a haber luchado contra la anexión de Austria, o el de Mogambo, donde una relación adúltera se convirtió en un incesto.

Evolución
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 En aquella época, los doblajes se grababan en material fotográfico, no reemulsionable, y fuertemente racionado por el Gobierno. Esto provocaba que los actores nunca pudiesen repetir las tomas o “takes” que grababan, por lo cuál no solamente grababan diciendo todo su diálogo de memoria, sino que a la hora de grabar tenían que tener una seguridad total. Esto lo explica perfectamente la siguiente anécdota.

 Un día se encontraba grabando en sala el actor Manuel Luna, a las órdenes del director de doblaje Alejandro Ulloa. El director le advirtió de que ensayase todo lo que le fuese necesario porque si esa toma no valía tenían que suspender la grabación hasta que llegara al estudio más material fotográfico. Manuel ensayó su take concienzudamente, hasta que dijo que ya podía grabar. Comenzó a reproducirse la película y comenzó la grabación. Alejandro esperaba tenso, y su tensión creció tanto que, antes de que la grabadora terminase de grabar el take, exclamó “¡Muy bien, Manolo, muy bien!”. Al final, esto último tuvo que ser bajado en la mezcla.

  A principios de los años cincuenta, los doblajes pasan de grabarse en material fotográfico a grabarse en cintas magnéticas multipistas, que sí eran reemulsionables, y que debido al citado carácter multipista, permitían que uno o varios actores pudieran grabar sus diálogos en pistas separadas. Fue esta la época en la que se hizo el primer “plante” de la historia de la profesión.

  A finales de los años setenta comenzaron a hacerse más frecuentes los cambios en la profesión. La censura oficial sobre el doblaje desaparece, y se hace la primera gran huelga de la profesión, lo cuál se traduce en la supresión de categorías actorales dentro de este mundo.

Actriz grabando su "take"

 Los cambios también se hacen notar en el ámbito técnico, ya que los actores pasan paulatinamente de grabar con el texto completamente memorizado a no hacerlo así.

De izquierda a derecha Manolo García Colás, Vicente Bañó Gomis y Luis Martín Carrillo

Continuaremos hablando de este apasionante mundo en la próxima entrada.